247 – “O Diabo Veste Prada 2”, em cartaz nos cinemas, chega vinte anos depois muito menos como uma comédia sobre os bastidores da moda e muito mais como uma alegoria melancólica sobre a crise estrutural do jornalismo contemporâneo. Duas décadas depois do filme original, Miranda Priestly retorna não apenas como uma editora temida, mas como símbolo de um modelo de mídia em declínio, esmagado pela lógica das plataformas digitais, pela precarização do trabalho jornalístico e pela ascensão de bilionários da tecnologia como novos donos da informação. Diversas análises internacionais apontaram que o longa se transformou numa reflexão sobre o colapso das revistas impressas e sobre o poder crescente das big techs sobre a cultura e a comunicação.
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No centro da trama está justamente a decadência da revista Runway, inspirada na Vogue, agora pressionada por cortes, perda de relevância e dependência de investidores externos para sobreviver. Andy Sachs, interpretada novamente por Anne Hathaway, retorna ao universo da revista depois de sofrer uma demissão em massa no jornal onde trabalhava — um retrato brutal da realidade contemporânea das redações. Em uma das cenas mais simbólicas do filme, jornalistas são dispensados por mensagem de texto durante um evento de gala, numa referência direta à brutalidade corporativa da era digital.
<h2>O velho jornalismo sob tutela dos bilionários</h2>
A principal camada política do filme aparece na figura do bilionário Benji Barnes, personagem interpretado por Justin Theroux. Embora a roteirista Aline Brosh McKenna tenha evitado confirmar oficialmente a inspiração, praticamente toda a crítica internacional enxergou no personagem uma representação evidente de Jeff Bezos.
Benji Barnes é um magnata da tecnologia interessado em comprar a Runway e transformar a publicação em uma plataforma movida por inteligência artificial, algoritmos e métricas de engajamento. O paralelo com Bezos é quase inevitável: um bilionário oriundo da tecnologia, associado à destruição de modelos tradicionais de negócios, tentando assumir o controle de um ícone cultural da mídia impressa.
As semelhanças vão além da estética ou do perfil empresarial. O roteiro dialoga diretamente com o ambiente contemporâneo em que conglomerados de mídia tradicionais passaram a depender de fortunas bilionárias para continuar existindo.
O Washington Post pertence a Jeff Bezos. O Los Angeles Times foi comprado pelo empresário Patrick Soon-Shiong. A revista Time passou ao controle de Marc Benioff, fundador da Salesforce. Em vários países, fundos financeiros e conglomerados tecnológicos passaram a determinar os rumos editoriais da imprensa tradicional.
A mensagem implícita em “O Diabo Veste Prada 2” é perturbadora: o velho jornalismo, incapaz de sobreviver apenas com assinaturas e publicidade tradicional, tornou-se refém do capital ultraconcentrado.
<h2>O algoritmo venceu a reportagem</h2>
Outro eixo importante da obra é a crítica à transformação do conteúdo jornalístico em produto algorítmico. Em vários momentos, personagens lamentam que “ninguém mais lê revistas”, enquanto a Runway é obrigada a produzir conteúdo barato, veloz e voltado ao clique.
A tensão entre jornalismo sério e lógica digital aparece sobretudo em Andy Sachs, agora uma jornalista respeitada que tenta preservar algum compromisso ético num ambiente dominado por viralização, influência de redes sociais e inteligência artificial.
O filme sugere que o problema não é apenas econômico, mas também cultural: a autoridade editorial foi substituída pela lógica do engajamento. O algoritmo passou a decidir o que merece atenção pública.
Nesse cenário, Miranda Priestly deixa de ser apenas uma editora autoritária. Ela se transforma numa espécie de sobrevivente de um mundo que desaparece diante de seus olhos. Sua arrogância já não intimida como antes porque o poder mudou de mãos. Agora ele pertence aos donos das plataformas, aos investidores de tecnologia e aos controladores dos dados.
<h2>A inteligência artificial e o medo da irrelevância</h2>
Um dos momentos mais reveladores do longa ocorre quando Benji Barnes apresenta sua visão de futuro baseada em inteligência artificial aplicada à produção editorial. Miranda reage com horror ao perceber que criatividade, curadoria e sensibilidade estética podem ser substituídas por automação e análise de dados.
O subtexto é claro: a crise atual do jornalismo não é apenas financeira, mas existencial. O temor expresso no filme é o mesmo que ronda o mercado real: haverá espaço para jornalistas, editores e criadores humanos num ecossistema governado por plataformas e máquinas?
<h2>Entre nostalgia e denúncia</h2>
Embora mantenha o glamour, os diálogos ácidos e o universo sofisticado do primeiro filme, “O Diabo Veste Prada 2” funciona sobretudo como uma denúncia elegante do esvaziamento do jornalismo tradicional.
A Runway do segundo filme já não representa apenas uma revista de moda. Ela simboliza toda uma indústria cultural que perdeu autonomia e agora precisa negociar sua sobrevivência com oligarcas digitais.
No fundo, o filme sugere que Miranda Priestly não é mais a personagem mais poderosa da sala. O verdadeiro poder pertence agora aos bilionários invisíveis que controlam plataformas, infraestrutura tecnológica e fluxo de informação.
E talvez seja justamente essa a grande tragédia do jornalismo contemporâneo: ter trocado a dependência dos anunciantes pela dependência dos donos do Vale do Silício.

Redação Brasil 247

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Cultura

O diabo veste Prada 2: uma reflexão sobre a crise e os dilemas do jornalismo na era digital

CGTN – De acordo com os dados da Administração Nacional de Cinema, a bilheteria dos cinemas durante o feriado de 1º de Maio atingiu 758 milhões de yuans, com 20,8 milhões de ingressos vendidos e 2,4 milhões de sessões exibidas, registrando aumentos anuais de 1,41%, 10,23% e 2%, respectivamente. O preço médio do ingresso foi de 36,3 yuans, uma queda de 8% em comparação com o mesmo período do ano passado.
Além do bom desempenho nas bilheterias, o número de sessões e de ingressos vendidos também cresceu. Os preços mais acessíveis proporcionaram ao público uma experiência cinematográfica mais diversificada e enriquecedora.
Desde o início deste ano, o valor total da cadeia produtiva da indústria cinematográfica chinesa ultrapassou 210 bilhões de yuans. O setor vem se consolidando como um importante motor para o desenvolvimento econômico e social do país, além de impulsionar o consumo no segmento de serviços.
Tradução: Inês Zhu
Revisão: Iara Vidal
Fonte: CMG

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China

Bilheteria do cinema chinês no feriado de 1º de Maio atinge 758 milhões de yuans

247 – Em 6 de maio de 1915 nascia Orson Welles, um dos artistas mais criativos, ambiciosos e revolucionários da história do cinema. Diretor, ator, roteirista e produtor, Welles mudou para sempre a linguagem cinematográfica com Cidadão Kane (Citizen Kane), lançado em 1941, quando ele tinha apenas 25 anos. O filme não apenas rompeu padrões narrativos e técnicos de Hollywood, como também enfrentou censura, perseguição política e boicote empresarial antes de se tornar um clássico absoluto. Mais de oito décadas depois, Cidadão Kane continua sendo tratado por críticos, cineastas e historiadores como uma das maiores obras da história do cinema. O longa influenciou gerações inteiras de diretores — de Stanley Kubrick a Martin Scorsese — e transformou a forma como histórias passaram a ser contadas nas telas. Mas o que poucos conhecem são os bastidores turbulentos da produção, os conflitos com magnatas da imprensa, as soluções improvisadas que criaram efeitos inéditos e as curiosidades que cercam o filme até hoje. <h2>O menino-prodígio que assustou os Estados Unidos</h2> Antes de chegar a Hollywood, Orson Welles já era um fenômeno cultural nos Estados Unidos. Ainda muito jovem, destacou-se no teatro e no rádio, demonstrando um talento raro para narrativa e experimentação artística. Em 1938, aos 23 anos, ele se tornou uma celebridade nacional ao adaptar A Guerra dos Mundos, de H.G. Wells, para uma transmissão radiofônica. A encenação simulava boletins jornalísticos sobre uma invasão alienígena em Nova Jersey. Muitos ouvintes acreditaram que o ataque era real. O episódio gerou pânico em várias regiões do país e consolidou Welles como um gênio provocador, capaz de manipular emoções coletivas por meio da linguagem audiovisual. O impacto foi tão grande que Hollywood correu atrás do jovem diretor. O estúdio RKO ofereceu a ele um contrato praticamente sem precedentes: liberdade artística total, direito ao corte final e autonomia para escolher elenco, roteiro e equipe. Na prática, Welles recebeu poderes que nem os diretores mais consagrados possuíam. <h2>A inspiração em William Randolph Hearst</h2> Embora Orson Welles sempre tenha negado que Cidadão Kane fosse uma biografia direta, é impossível dissociar o personagem Charles Foster Kane do magnata da imprensa William Randolph Hearst. Hearst era um dos homens mais poderosos dos Estados Unidos, dono de jornais, emissoras de rádio e enorme influência política. Kane, no filme, surge como um empresário midiático bilionário que constrói um império baseado em manipulação, ambição e culto à própria personalidade. A semelhança enfureceu Hearst. O magnata tentou impedir o lançamento do filme de todas as formas possíveis. Segundo relatos históricos, seus jornais proibiram qualquer menção positiva à obra e pressionaram exibidores para boicotar o longa. Executivos da MGM chegaram a oferecer dinheiro para que a RKO destruísse todas as cópias do filme. Welles resistiu. A disputa se tornou uma batalha histórica entre liberdade artística e poder corporativo — um tema que permanece extremamente atual na indústria cultural contemporânea. <h2>O mistério de “Rosebud”</h2> Uma das maiores curiosidades da história do cinema gira em torno da palavra “Rosebud”, pronunciada por Kane no momento de sua morte. Ao longo do filme, jornalistas tentam descobrir o significado da palavra, numa investigação que estrutura toda a narrativa. No desfecho, o público descobre que “Rosebud” era o nome do trenó de infância de Kane, símbolo de inocência perdida e da felicidade que o poder jamais conseguiu recuperar. A cena final se tornou uma das mais famosas da história do cinema. Mas existe outra curiosidade explosiva: anos depois, circularam rumores de que “Rosebud” seria também um apelido íntimo usado por Hearst para se referir à atriz Marion Davies, sua companheira. A hipótese aumentou ainda mais a ira do magnata contra Welles. <h2>As técnicas que mudaram o cinema para sempre</h2> Muito do impacto de Cidadão Kane vem das inovações técnicas criadas por Orson Welles e pelo diretor de fotografia Gregg Toland. O filme revolucionou a fotografia cinematográfica ao utilizar profundidade de campo extrema, permitindo que objetos em primeiro plano e fundo permanecessem simultaneamente nítidos. Hoje isso parece comum, mas em 1941 era uma ruptura radical. Welles também utilizou: <ul> <li>&nbsp;ângulos baixos extremos;&nbsp;</li> <li>&nbsp;enquadramentos expressionistas;&nbsp;</li> <li>&nbsp;iluminação inspirada no cinema alemão;&nbsp;</li> <li>&nbsp;cortes temporais ousados;&nbsp;</li> <li>&nbsp;narrativa fragmentada;&nbsp;</li> <li>&nbsp;sobreposição de diálogos;&nbsp;</li> <li>&nbsp;movimentos de câmera inéditos.&nbsp;</li> </ul> Em diversas cenas, o teto aparece visivelmente no enquadramento — algo raro em Hollywood na época, porque os estúdios geralmente deixavam a parte superior dos cenários aberta para iluminação. Para criar o efeito, Welles usou tecidos especiais e soluções improvisadas. Outra inovação marcante foi a estrutura narrativa não linear. Em vez de contar a história de forma cronológica, o filme reconstrói a vida de Kane por meio de depoimentos contraditórios, memórias e fragmentos subjetivos. Esse formato influenciaria profundamente o cinema moderno. <h2>Orçamento apertado e soluções improvisadas</h2> Apesar da fama posterior, Cidadão Kane não foi uma superprodução luxuosa. Welles enfrentou limitações orçamentárias e precisou improvisar constantemente. Muitas cenas foram construídas com truques de perspectiva, miniaturas e cenários reutilizados. O gigantesco palácio Xanadu, residência de Kane inspirada no castelo real de Hearst, foi criado parcialmente com pinturas em vidro e efeitos ópticos. Em algumas sequências, atores envelhecidos foram caracterizados com maquiagem pesada desenvolvida especialmente para o filme. O processo levava horas. Joseph Cotten, que interpretava Jedediah Leland, relatou que as sessões de maquiagem eram extremamente desconfortáveis e longas.  <figure><img src="https://cdn.brasil247.com/pb-b247gcp/swp/jtjeq9/media/2026050605054_a309189381670496fbf5c899d79a26f78713ae9fce6113c1e92de28964126b75.png" data-media-id="editor_0" data-image-id="2026050605054_a309189381670496fbf5c899d79a26f78713ae9fce6113c1e92de28964126b75" data-rendition-name="original" width="1024" height="1536" loading="lazy" alt="Os clássicos de Orson Welles"></figure>  <h2>O fracasso inicial e a consagração tardia</h2> Hoje considerado uma obra-prima absoluta, Cidadão Kane teve desempenho comercial decepcionante no lançamento. O boicote promovido por Hearst prejudicou a distribuição, e parte do público estranhou a linguagem inovadora do filme. A obra recebeu nove indicações ao Oscar, mas venceu apenas uma: melhor roteiro original para Orson Welles e Herman J. Mankiewicz. Durante décadas, Welles carregou a reputação de “gênio difícil”, enfrentando conflitos constantes com estúdios e dificuldades para financiar projetos. Com o passar do tempo, porém, Cidadão Kane foi redescoberto por críticos europeus e cineastas da nouvelle vague francesa. A partir dos anos 1950 e 1960, consolidou-se como referência máxima de inovação cinematográfica. <h2>Um artista à frente de seu tempo</h2> Orson Welles morreu em 10 de outubro de 1985, aos 70 anos. Deixou uma obra marcada por ousadia estética, independência criativa e enfrentamento aos poderes econômicos da indústria cultural. Seu legado vai muito além de Cidadão Kane. Filmes como A Marca da Maldade, Otelo, Falstaff e F for Fake também demonstram um artista permanentemente disposto a reinventar a linguagem do cinema. Ainda assim, nenhuma obra simboliza tanto sua genialidade quanto o filme de estreia criado por um jovem de 25 anos que ousou desafiar os homens mais poderosos dos Estados Unidos — e mudou para sempre a história do cinema.

História

Orson Welles e Cidadão Kane: os bastidores do filme que revolucionou o cinema

CGTN – Segundo dados de plataformas online, a bilheteria total dos cinemas da China em 2026 (incluindo pré-vendas) já havia ultrapassado 13,5 bilhões de yuans até esta segunda-feira (4). O período de feriado do Dia Internacional dos Trabalhadores já registrou bilheteria de mais de 600 milhões de yuans (incluindo pré-vendas), com 2,331 milhões de sessões realizadas, superando, com um dia e meio de antecedência, o total do mesmo feriado no ano passado.
Por trás do crescimento contínuo da bilheteria, o destaque deste feriado é o aumento no número de sessões e a maior acessibilidade aos ingressos. Várias regiões do país lançaram subsídios e incentivos a fim de impulsionar o mercado cinematográfico.
Estima-se que, em 2026, a cadeia produtiva completa do setor cinematográfico ultrapasse 200 bilhões de yuans.
Fonte: CMG

Bilheteria de cinema no feriado do Dia Internacional dos Trabalhadores atinge 600 milhões de yuans

247 – Lançado em 1961, o filme Bonequinha de luxo (Breakfast at Tiffany’s) consolidou Audrey Hepburn como um dos maiores símbolos do cinema mundial. Dirigido por Blake Edwards e baseado na obra de Truman Capote, o longa ajudou a cristalizar a imagem da atriz como ícone de elegância e sofisticação — mas sua trajetória vai muito além de Holly Golightly.
Neste 4 de maio, data de nascimento de Audrey Hepburn, o cinema revisita a obra de uma artista que construiu uma carreira singular, combinando talento, sensibilidade e presença de tela rara. Nascida em 1929, em Bruxelas, na Bélgica, Hepburn tornou-se uma das figuras mais influentes de Hollywood, com papéis que atravessaram diferentes gêneros e estilos.
<h2>Uma carreira marcada por clássicos</h2>
Antes mesmo de Bonequinha de luxo, Audrey Hepburn já havia conquistado reconhecimento internacional com A princesa e o plebeu (Roman Holiday, 1953), filme que lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz. Na obra dirigida por William Wyler, Hepburn interpreta uma princesa que foge das obrigações reais e descobre a vida comum em Roma, revelando uma combinação de leveza e profundidade que se tornaria sua marca.
Outro destaque é Sabrina (1954), dirigido por Billy Wilder, em que a atriz vive a filha de um motorista que se transforma após uma temporada em Paris. O filme reforçou sua imagem como protagonista de comédias românticas sofisticadas, ao mesmo tempo em que evidenciava sua capacidade de expressar emoções complexas com sutileza.
Em Cinderela em Paris (Funny Face, 1957), Hepburn contracenou com Fred Astaire em um musical que uniu moda, fotografia e dança. Já em A história de uma freira (The Nun’s Story, 1959), apresentou uma atuação mais dramática e contida, ampliando seu alcance artístico.
<h2>Bonequinha de luxo e a construção de um ícone</h2>
Embora sua filmografia seja vasta, Bonequinha de luxo permanece como o filme mais associado à imagem pública de Audrey Hepburn. A personagem Holly Golightly, com sua mistura de charme, independência e vulnerabilidade, tornou-se um símbolo cultural duradouro.
A cena de abertura, diante da vitrine da Tiffany &amp; Co., vestindo o icônico figurino de Hubert de Givenchy, ajudou a consolidar um padrão estético que influenciou gerações. Mais do que estilo, a atuação de Hepburn conferiu profundidade à personagem, revelando as contradições de uma mulher em busca de pertencimento.
<h2>Versatilidade e maturidade artística</h2>
Ao longo dos anos 1960, Audrey Hepburn continuou a expandir seu repertório. Em Charada (1963), ao lado de Cary Grant, combinou suspense e humor em uma narrativa dinâmica. Já em My Fair Lady (1964), interpretou Eliza Doolittle, papel central na adaptação do famoso musical da Broadway, reforçando sua presença em produções de grande escala.
Outro momento marcante foi Um clarão nas trevas (Wait Until Dark, 1967), no qual vive uma mulher cega envolvida em uma trama de suspense. A atuação intensa lhe rendeu mais uma indicação ao Oscar e demonstrou sua capacidade de transitar por papéis mais densos e desafiadores.
<h2>Uma artista além das telas</h2>
A lembrança de Audrey Hepburn neste 4 de maio também remete à sua atuação fora do cinema. Após se afastar gradualmente das telas, ela dedicou-se ao trabalho humanitário como embaixadora do Unicef, participando de missões em países da África, Ásia e América Latina.
Sua atuação humanitária reforçou uma dimensão essencial de seu legado: a combinação entre talento artístico e compromisso social. Hepburn passou a ser reconhecida não apenas como estrela de cinema, mas como figura global engajada em causas humanitárias.
<h2>Um legado permanente</h2>
Décadas após sua morte, Audrey Hepburn permanece como referência incontornável da cultura mundial. Sua filmografia, marcada por obras como A princesa e o plebeu, Sabrina, Cinderela em Paris, Bonequinha de luxo e My Fair Lady, continua a influenciar novas gerações de artistas e espectadores.
Ao revisitar sua trajetória neste 4 de maio, o que se evidencia é a construção de um legado que transcende o glamour. Audrey Hepburn transformou o cinema com sua presença única — e deixou uma marca duradoura que une elegância, sensibilidade e humanidade.
<h2>Confira uma bela canção que homenageia o filme Bonequinha de luxo:</h2>
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Bonequinha de luxo: o filme que eternizou Audrey Hepburn como símbolo de elegância e liberdade

247 - Uma briga generalizada durante a exibição do filme Michael chamou a atenção nas redes sociais e gerou repercussão nacional. O episódio ocorreu na quarta-feira (22), em uma sala de cinema no Rio de Janeiro, durante a estreia do longa-metragem que retrata a trajetória do cantor Michael Jackson. As informações foram divulgadas inicialmente por vídeos compartilhados por espectadores nas redes sociais.
As imagens, que rapidamente viralizaram, mostram o momento em que a sessão é interrompida por uma discussão que evolui para empurrões e gritos entre os presentes. Em meio à confusão, algumas pessoas pedem para que um dos envolvidos deixe o local, enquanto outras tentam conter o tumulto e acalmar os ânimos.
Apesar do clima de tensão dentro da sala de cinema, não há registro de feridos. Ainda assim, o episódio causou desconforto entre os espectadores, muitos dos quais haviam comparecido à estreia com grande expectativa em relação ao filme.
O longa “Michael” é uma cinebiografia que acompanha desde os primeiros passos do artista no grupo Jackson 5 até o auge de sua carreira solo, explorando momentos marcantes de sua vida pessoal e profissional. A produção vinha sendo amplamente aguardada por fãs ao redor do mundo.
Até o momento, a causa da briga não foi esclarecida. Não há informações oficiais sobre o que teria motivado o desentendimento entre os envolvidos, e o caso segue sem confirmação de apuração por autoridades locais.
 
<div class="embed-block"><blockquote class="twitter-tweet">O filme ‘Michael’, que conta a história do eterno Rei do Pop, Michael Jackson, estreou na última quinta-feira (23) nos cinemas do Brasil e está repercutindo nas redes por um motivo inusitado. Pelo menos três sessões do longa registraram confusão pelo país, com direito a bate-boca… <a href="https://t.co/5Iq4RnWJcH">pic.twitter.com/5Iq4RnWJcH</a>&mdash; BNews (@bnews_oficial) <a href="https://twitter.com/bnews_oficial/status/2047650195689681121?ref_src=twsrc%5Etfw">April 24, 2026</a></blockquote> <script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script></div>

Laís Gouveia

Confusão durante exibição do filme sobre Michael Jackson assusta público, mas não deixa feridos

Tá nos Trends

Fãs de Michael Jackson promovem briga generalizada em sessão do filme no Rio (vídeo)

Por Chen Ziqi* - Sempre gostei daquele momento estranho, levemente mágico, depois que um filme termina. Você sai do cinema e a cena final ainda permanece na sua mente. Por um instante, o mundo lá fora parece diferente: o café na esquina, o ritmo dos transeuntes, o brilho das luzes da rua. É como se o filme ainda não tivesse acabado.
No 16º Festival Internacional de Cinema de Pequim (BJIFF), essa sensação deixou de ser obra do acaso. É algo que a cidade está deliberadamente tentando criar.
Realizado de 16 a 25 de abril, o festival deste ano busca algo mais ambicioso do que apenas exibir filmes. A proposta é transformar a própria Pequim em uma extensão da tela, com o cinema se espalhando pelas ruas, restaurantes, bairros e pela vida cotidiana.
<h2>Uma competição mais internacional</h2>
O BJIFF funciona como um ponto de encontro do cinema global, celebrando o intercâmbio cultural por meio da narrativa. Dezesseis filmes foram selecionados para o prestigioso Prêmio Tiantan, representando mais de 15 países, incluindo China, França, Reino Unido, Brasil, Vietnã e Itália, escolhidos entre mais de 1,8 mil longas-metragens inscritos. O festival também registra seu maior alcance geográfico até hoje, com produções vindas de quase 140 países e regiões.
A curadoria privilegia histórias centradas em personagens, com observação detalhada, que capturam momentos da história, da sociedade e da vida cultural. Seja acompanhando um fotógrafo que abandona uma carreira estável para se dedicar à escrita, um casal idoso enfrentando os últimos anos de vida ou uma estrela em transição para papéis coadjuvantes, esses filmes destacam experiências individuais em vez de grandes espetáculos. Dessa forma, aproximam o público do ritmo da vida comum e estimulam reflexões sobre a experiência humana compartilhada.
O júri é presidido pela atriz francesa Juliette Binoche, premiada em Cannes, Veneza e Berlim, e conta com cineastas e artistas da China, do Brasil, do Reino Unido e do Vietnã. A composição reforça a intenção do festival de se posicionar no debate cinematográfico global.
<h2>Cinema além da tela</h2>
O que torna esta edição particularmente interessante é a recusa em permanecer apenas dentro das salas de cinema.
Telões ao ar livre em distritos comerciais transmitem ao vivo as cerimônias de abertura e encerramento, enquanto sessões ao ar livre reúnem o público após o anoitecer. Imagine assistir a um filme sob o céu noturno, cercado por desconhecidos que, por duas horas, sentem exatamente o mesmo que você.
A iniciativa faz parte de uma programação mais ampla que inclui centenas de exibições e eventos culturais pela cidade, com mais de 70% dos títulos internacionais estreando na China.
Além disso, mercados temporários, parques e espaços culturais em Pequim promovem atividades temáticas relacionadas ao cinema, enquanto mais de 600 estabelecimentos participam com descontos e promoções especiais, integrando o cinema às experiências de compras, gastronomia e lazer.
No centro dessa transformação está a iniciativa “Siga os filmes para viajar”. Ela conecta produções a locais reais e convida o público a entrar nos cenários que acabou de assistir. Rotas temáticas ligam locações de filmagem a bairros históricos e pontos culturais da cidade, permitindo que visitantes caminhem por ruas tradicionais vistas nos filmes ou explorem regiões moldadas pelas histórias exibidas.
O turismo cinematográfico não é novidade. Há anos, espectadores viajam para a Nova Zelândia por causa de O Senhor dos Anéis ou para Dubrovnik por Game of Thrones. O diferencial de Pequim está na escala urbana: em vez de atrair visitantes para paisagens específicas, a proposta incorpora o cinema ao cotidiano de uma megacidade, como se toda a paisagem urbana se tornasse, silenciosamente, um grande cenário.
Essa conexão entre narrativa e espaço também aparece na seleção competitiva deste ano. Um dos filmes, All the Good Eyes, percorre quase quatro décadas ao retratar as vidas entrelaçadas de duas famílias no nordeste da China. O resultado é uma narrativa inseparável de seu ambiente, que convida o público não apenas a assistir, mas a imaginar uma visita ao local. Como afirmou o diretor Zheng Zhi em entrevista: “Há muito para comer e explorar aqui. Espero que o público venha visitar Shenyang depois de assistir ao filme.”
<h2>A ascensão da cultura cinematográfica</h2>
Essa mudança reflete uma tendência mais ampla na indústria cinematográfica chinesa. Nos últimos anos, os cinemas deixaram de ser apenas locais de exibição para se tornarem espaços de convivência. Ir ao cinema se transformou em um ritual social — amigos se encontram, casais têm encontros, famílias passam tempo juntas. Em uma era dominada por vídeos curtos e atenção fragmentada, a experiência coletiva de assistir a um filme — rir, se emocionar ou permanecer em silêncio com desconhecidos — tornou-se algo raro e, portanto, mais valioso.
A partir daí, com sessões temáticas, mercados temporários e parcerias com gastronomia, turismo e varejo, uma cultura “cinema+” vem se consolidando. O público já não compra apenas um ingresso, mas uma experiência cultural mais ampla.
Essa evolução não apenas revitaliza o mercado cinematográfico doméstico da China, como também o torna mais atraente para produções internacionais em busca de público engajado. Nesse sentido, o cinema deixa de ser apenas uma tela e passa a funcionar como uma porta de entrada para um estilo de vida cultural mais amplo.
Para quem quiser explorar melhor essa transformação, o tema também foi discutido no podcast Round Table China, que aprofunda os bastidores dessa experiência.
*Chen Ziqi é editora do podcast Round Table China

Divulgação do 16º Festival Internacional de Cinema de Pequim

Sul Global

Além da tela: o festival de cinema de Pequim se torna uma experiência pela cidade inteira

247 – A indústria cinematográfica da Índia, a mais prolífica do mundo em volume de produções, vive uma transformação profunda com o avanço da inteligência artificial. Em estúdios de Bengaluru e em grandes produtoras de Bollywood, a tecnologia já é usada para reduzir drasticamente o tempo de produção, cortar custos, adaptar filmes para diversos idiomas e até modificar finais de obras antigas. Segundo reportagem da Reuters, essa corrida tecnológica está reorganizando a economia do audiovisual indiano e colocando em choque duas forças centrais do setor: a busca por eficiência e as dúvidas sobre autenticidade criativa.
A reportagem da Reuters mostra que, enquanto Hollywood segue limitado por regras sindicais mais rígidas e por preocupações com substituição de trabalhadores, o cinema indiano avança de forma muito mais agressiva no uso da IA. O resultado é um cenário em que produtoras, plataformas e gigantes da tecnologia apostam que a Índia poderá assumir a dianteira global em uma nova etapa da produção audiovisual.
<h2>Estúdios trocam o barulho dos sets pelo zumbido dos computadores</h2>
Em um dos exemplos mais emblemáticos dessa virada, a Collective Artists Network, uma das principais agências de talentos de Bollywood, passou a desenvolver também “estrelas digitais”. Em sua estrutura em Bengaluru, cineastas utilizam ferramentas de inteligência artificial para criar conteúdos inspirados na mitologia hindu, um dos gêneros mais populares do país.
Entre os projetos estão produções baseadas em textos clássicos como o Ramayana e o Mahabharat. Em uma das cenas mencionadas pela Reuters, o deus Hanuman aparece voando enquanto carrega uma montanha. Em outra, a princesa Gandhari surge se vendando ao se casar com um rei cego. O uso da IA nesse tipo de narrativa não é casual: trata-se de um segmento com grande apelo popular e forte potencial comercial.
Rahul Regulapati, responsável pelo estúdio de IA da Collective, o Galleri5, resumiu de forma direta o impacto econômico da mudança. “A IA está reduzindo os custos de produção para um quinto do que eram no cinema tradicional em gêneros como mitologia e fantasia”, disse. Sobre o tempo de execução, ele foi igualmente enfático: “Caiu para um quarto”.
<h2>Queda de público e pressão por eficiência aceleram a mudança</h2>
A adoção da inteligência artificial ocorre em um momento de pressão econômica sobre o cinema indiano. Embora o país continue produzindo mais filmes do que qualquer outra nação e mantenha um sistema de estrelato poderoso, com nomes como Shah Rukh Khan e Amitabh Bachchan, os hábitos do público mudaram de forma significativa nos últimos anos.
Segundo dados citados pela Reuters, da consultoria Ormax Media, o número de frequentadores de salas de cinema caiu de 1,03 bilhão em 2019 para 832 milhões em 2025. Ainda que a bilheteria tenha alcançado o recorde de US$ 1,4 bilhão no ano passado, a receita do setor tem oscilado desde a pandemia e dependido de poucos sucessos de grande porte, além de ingressos mais caros.
Nesse ambiente, a IA passou a ser vista por muitos executivos como uma resposta objetiva ao aperto orçamentário. De acordo com análise da EY citada pela Reuters, a tecnologia pode elevar em 10% a receita das empresas indianas de mídia e entretenimento e reduzir custos em 15% no médio prazo.
Vikram Malhotra, fundador da Abundantia Entertainment, afirmou à Reuters que sua produtora, que anunciou recentemente um investimento em um estúdio de IA avaliado em US$ 11 milhões, está construindo essa capacidade do zero. A expectativa é que, em três anos, conteúdos gerados ou assistidos por inteligência artificial respondam por um terço de sua receita.
<h2>Releituras com IA reacendem disputa sobre a alma das obras</h2>
Uma das experiências mais controversas relatadas pela Reuters envolve o relançamento do filme Raanjhanaa, sucesso de 2013 da Eros Media World. A empresa reeditou a obra com ajuda de IA e substituiu o final trágico, em que o protagonista morria, por um desfecho feliz, no qual ele abre os olhos diante da surpresa da mulher amada, que sorri entre lágrimas.
A mudança provocou forte reação. O ator Dhanush, protagonista do longa, criticou duramente a intervenção e escreveu na rede X que a versão recriada com IA havia “despojado o filme de sua própria alma” e estabelecido “um precedente profundamente preocupante tanto para a arte quanto para os artistas”.
Apesar da rejeição de parte do meio artístico, o relançamento teve resultado comercial relevante. A maior rede de cinemas da Índia, a PVR Inox, informou à Reuters que 35% dos ingressos disponíveis para a versão em língua tâmil foram vendidos no mês de lançamento, em agosto. Esse índice ficou 12 pontos percentuais acima da média registrada em 2025.
Diante disso, a Eros decidiu ampliar a aposta. Pradeep Dwivedi, CEO do grupo, disse à Reuters que a companhia está revisando seu catálogo de 3 mil títulos “para identificar candidatos à adaptação assistida por IA”. Segundo ele, trata-se de “uma oportunidade de receita e também de uma estratégia de renovação criativa”.
<h2>Diferença em relação a Hollywood expõe disputa regulatória</h2>
O contraste com os Estados Unidos é marcante. Em Hollywood, o uso da inteligência artificial enfrenta barreiras impostas por acordos sindicais e por contratos que limitam alterações digitais em interpretações de atores ou decisões criativas sem consentimento.
A Reuters destaca que, sob as regras da SAG-AFTRA, os estúdios não podem alterar digitalmente a atuação de um artista nem criar réplicas digitais sem consentimento informado. Já o contrato da Directors Guild of America impede que os estúdios usem IA para decisões criativas sem consultar o diretor e veta que a tecnologia execute o trabalho dos membros da entidade.
Na Índia, o terreno regulatório é mais aberto, e isso favorece experimentos mais ousados. Para Dominic Lees, pesquisador de cinema e IA da Universidade de Reading, no Reino Unido, a ambição indiana supera a de centros tradicionais da indústria. “Se eles conseguirem entregar, então a mudança na realização cinematográfica com IA será para a Índia”, afirmou à Reuters.
<h2>Mitologia hindu vira laboratório de escala industrial</h2>
A mitologia hindu se tornou um dos campos mais promissores para esse novo modelo de produção. A Collective planeja oito títulos gerados por IA centrados em divindades como Hanuman, Krishna, Durga e Kali. Já a JioStar, joint venture de mídia entre a Reliance, do bilionário Mukesh Ambani, e a Walt Disney, exibiu uma adaptação gerada por IA do épico Mahabharat.
Segundo a empresa, a série, lançada em outubro na plataforma de streaming da JioStar, acumulou ao menos 26,5 milhões de visualizações. O número é expressivo, embora ainda distante do impacto de uma adaptação televisiva anterior, exibida entre 1988 e 1990, que chegou a 200 milhões de espectadores.
O desempenho de audiência, no entanto, não eliminou as críticas. A versão em IA do Mahabharat tem nota 1,4 de 10 no IMDb. Entre as reclamações registradas por espectadores estão falhas de sincronização labial, baixa qualidade visual em algumas sequências e uma sensação de artificialidade estética.
Alok Jain, executivo sênior da JioStar, disse à Reuters que a reação do público “tem sido uma mistura de apreciação e debate saudável, o que é natural para qualquer salto criativo ambicioso”. Ele acrescentou que a empresa avalia desenvolver histórias originais em formato de IA.
<h2>O público consome, mas resiste</h2>
Esse é talvez o ponto mais delicado da transformação em curso. A inteligência artificial ajuda a baratear a produção e ampliar a escala, mas nem sempre conquista a confiança do público. Em vários casos, conteúdos produzidos com IA vendem bem e, ao mesmo tempo, recebem avaliações duras.
O escritor e produtor norte-americano Jonathan Taplin, que trabalhou com estúdios de Hollywood, foi contundente ao comentar a tendência. Para ele, usar IA para produzir longas inteiros é “uma afronta a toda a história do cinema”. Em outra crítica, afirmou: “Ela vai encher seus cinemas e telas com uma lama formulaica”.
Na Índia, mesmo vozes críticas reconhecem a força econômica do movimento. O diretor Anurag Kashyap disse à Reuters que se preocupa com a expansão da tecnologia e com a ausência de salvaguardas mais claras para seu uso. Ainda assim, admitiu que os estúdios veem racionalidade comercial no modelo. “Na Índia, cinema não é arte. É puramente negócio, então os estúdios vão usar isso para fazer mitologia”, declarou. E concluiu com franqueza: “Nosso público é um otário para isso”.
<h2>Dublagem com IA pode ser a porta de entrada mais aceita</h2>
Se os filmes totalmente gerados por inteligência artificial ainda enfrentam resistência, a dublagem assistida por IA aparece como uma frente com maior potencial de aceitação. A Índia tem 22 línguas oficiais e centenas de dialetos, o que fragmenta o mercado interno e torna a dublagem decisiva para transformar um filme em sucesso nacional.
Historicamente, espectadores reclamam da falta de sincronia entre voz e movimento labial. É justamente esse problema que empresas de IA tentam resolver. Em visita da Reuters à startup NeuralGarage, em Bengaluru, o cofundador Subhabrata Debnath demonstrou uma personagem gerada por IA falando em inglês. Em seguida, foi sobreposta uma faixa de áudio em alemão e, em poucos minutos, a personagem passou a “falar” fluentemente no novo idioma, com lábios e mandíbula sincronizados.
Debnath explicou à Reuters que a tecnologia preserva “a performance, a identidade e o estilo de fala da pessoa”, ao mesmo tempo em que altera o rosto o suficiente para tornar a dublagem visualmente natural.
A NeuralGarage foi utilizada no ano passado para dublar para o telugu o filme em hindi War 2, da Yash Raj Films. A produtora não respondeu às perguntas da Reuters, mas o caso reforça a percepção de que a IA pode se consolidar primeiro não como substituta completa do cinema tradicional, e sim como ferramenta poderosa de adaptação e circulação de conteúdo.
<h2>Gigantes da tecnologia entram na disputa pelo audiovisual indiano</h2>
A movimentação não se limita às produtoras. Grandes empresas de tecnologia já entraram na corrida para se posicionar no setor audiovisual indiano. O Google firmou parceria com o diretor de Bollywood Shakun Batra, em agosto, para produzir uma série cinematográfica de cinco partes usando sua ferramenta de geração de vídeo Veo 3 e o sistema Flow AI.
Mira Lane, vice-presidente de tecnologia e sociedade do Google, disse à Reuters que a IA pode permitir que artistas independentes criem sequências complexas que “de outra forma poderiam estar fora de alcance devido a restrições orçamentárias ou logísticas”.
A Microsoft também se associou à Collective e informou à Reuters que fornece poder computacional para ajudar a “moldar a próxima onda da narrativa global”. Já a Nvidia, presente em festivais indianos dedicados ao cinema com IA, tem defendido a redução dos custos de computação para ampliar o acesso à nova linguagem de produção. Em um desses eventos, Pradeep Gupta, vice-presidente global da companhia, afirmou que a empresa trabalha para cortar custos de modo que qualquer pessoa possa “criar algo substancial sem colocar muito dinheiro” na produção.
<h2>Festivais, laboratórios e novas linguagens expandem a fronteira</h2>
A transformação já extrapola os estúdios e alcança o circuito cultural. Festivais dedicados a curtas gerados por IA se multiplicaram em cidades como Los Angeles, Cannes e Barcelona. Na Índia, o primeiro evento do tipo ocorreu em novembro, na Royal Opera House de Mumbai, reunindo jovens criadores e até um robô dançarino no tapete vermelho.
Em fevereiro, a segunda edição do festival indiano de cinema com IA, em Nova Déli, reuniu aspirantes a cineastas e representantes da Nvidia em torno da promessa de um novo ecossistema de produção. A mensagem é clara: a Índia quer ocupar posição central nessa nova etapa do audiovisual, combinando abundância de histórias, apelo popular, escala industrial e flexibilidade regulatória.
Para contornar as limitações dos prompts de texto convencionais, estúdios como a Collective adotam um sistema híbrido. Atores vestem trajes de captura de movimento com sensores para registrar os gestos corporais em dados tridimensionais, enquanto smartphones captam expressões faciais. Esse material alimenta a cadeia de produção baseada em IA, permitindo um controle mais refinado sobre os personagens digitais.
<h2>A Índia pode liderar uma nova era, mas o debate está longe de terminar</h2>
O que emerge desse processo é uma indústria em mutação acelerada. A Índia não apenas experimenta a inteligência artificial como ferramenta de apoio, mas começa a reconfigurar toda a lógica de produção, distribuição e reaproveitamento de conteúdo. Nesse movimento, a promessa de ganhos econômicos é evidente: menos tempo, menos custo, mais escala e maior capacidade de circulação entre diferentes mercados linguísticos.
Mas o preço cultural dessa transformação ainda está em disputa. A reação crítica a obras modificadas por IA, os questionamentos sobre qualidade estética e as preocupações com a descaracterização da criação artística mostram que a adesão do público não será automática nem homogênea.
Ainda assim, se o ritmo atual for mantido, a Índia pode se tornar o principal laboratório mundial do cinema guiado por inteligência artificial. E, nesse caso, a disputa pelo futuro do audiovisual não passará apenas por Hollywood, mas por Bengaluru, Mumbai e pela capacidade indiana de transformar tecnologia em indústria cultural de massa.

IA reconfigura Bollywood e acelera revolução no cinema da Índia

Por Andrea Trus - Entre março e abril, a iniciativa <a href="https://ecofalante.org.br/educacional">Ecofalante Educação </a>realiza uma campanha nacional de mostras de cinema dedicadas ao tema das águas, em celebração ao Mês da Água e ao Dia Mundial da Água (22 de março). Programa educativo da mostra de cinema Ecofalante, a ação leva filmes e atividades pedagógicas para instituições de ensino em todo o Brasil, articulando escolas, universidades, órgãos públicos e espaços culturais e utilizando o cinema como ferramenta de educação e mobilização socioambiental.
A campanha reúne cinco mostras de curadoria própria: CTV Ecofalante de Cinema: Cine Água, de abrangência nacional; mostras em parceria com a Agência Nacional das Águas, em Brasília; Mostra Ecofalante: &nbsp;Semana da Conscientização do Uso Sustentável da Água, no Distrito Federal; Mostra de Cinema SEMIL Ecofalante: Mês da Água, no estado de São Paulo; e Narrativas do Clima: caminhos das águas, na cidade de São Paulo. Ao articular diferentes territórios e públicos, as mostras reforçam a dimensão educativa e cultural do cinema, promovendo a formação de novos públicos audiovisuais, conectando educação e cinema ao debate socioambiental e à reflexão crítica.
Além da exibição de filmes, a iniciativa estimula debates, oficinas e atividades que ampliam o sentido das obras e favorecem a reflexão crítica, conectando cultura, educação e debate socioambiental. Ao articular redes públicas, instituições de ensino e comunidades, a campanha promove experiências coletivas de reflexão sobre direitos humanos, justiça ambiental e o futuro da água no país.
O programa é viabilizado pelo Ministério da Cultura e pelo Programa Municipal de Apoio a Projetos Culturais (PROMAC), com produção da Doc &amp; Outras Coisas, coprodução da Química Cultural e realização da Ecofalante, Governo do Município de São Paulo, por meio da Secretaria de Cultura e Economia Criativa, e Governo Federal. A iniciativa reafirma, ao integrar cultura, educação e meio ambiente, o papel do cinema como instrumento de transformação social, fortalecendo vínculos comunitários e ampliando o acesso democrático à arte e ao conhecimento.
A campanha também é potencializada pela plataforma Ecofalante Play, serviço gratuito de streaming educacional que permite a educadores de todo o país acessar filmes sobre a água, organizar sessões e desenvolver atividades pedagógicas.
Serviço:
Mostra CTV Ecofalante de Cinema: Cine Água
22 de março a 4 de abril
Espaços educativos de diferentes regiões do país ligados ao Circuito Tela Verde (MMA)
Mostra de Cinema SEMIL Ecofalante: Mês da Água
18 a 31 de março
Municípios participantes do Programa Município VerdeAzul (SEMIL)
Narrativas do Clima: uma mostra de filmes sobre os caminhos das águas
21 de março a 14 de abril
Escolas da rede municipal de São Paulo
Mostra Ecofalante - Semana da Conscientização do Uso Sustentável da Água
Até 31 de março
Escolas da rede pública do Distrito Federal
Mostras de Cinema em parceria com a Agência Nacional das Águas (ANA)
26 de março, no Auditório Flávio Terra Barth da ANA
27 de março, para estudantes do Programa Adasa
27 de março, no Auditório Flávio Terra Barth da ANA para estudantes do Fund II

Meio Ambiente

Ecofalante lança campanha nacional de cinema para o Mês da Água

247 - A morte do ator e artista marcial Chuck Norris, aos 86 anos, foi confirmada por sua família após uma emergência médica ocorrida na ilha de Kauai, no Havaí. As circunstâncias do falecimento não foram detalhadas, atendendo a um pedido dos familiares para preservar a privacidade neste momento de luto.
Norris foi levado a um hospital após um problema de saúde registrado de forma repentina ao longo da semana. Até então, não havia indícios públicos de agravamento em seu estado, já que o ator seguia ativo e chegou a treinar normalmente dias antes.
<h2>Emergência repentina surpreendeu familiares e amigos</h2>
De acordo com relatos, a situação ocorreu de maneira inesperada. Na quarta-feira anterior à internação, Chuck Norris ainda mantinha sua rotina de treinos e chegou a conversar por telefone com um amigo, demonstrando bom humor e disposição.
A família não confirmou a causa da morte e reforçou que prefere manter os detalhes em sigilo. Em nota oficial, os parentes destacaram o impacto pessoal e público do ator:
<blockquote>"Para o mundo, ele era um artista marcial, ator e um símbolo de força. Para nós, era um marido dedicado, um pai e avô amoroso, um irmão incrível e o coração da nossa família".</blockquote>
<h2>Trajetória marcada por cinema, TV e artes marciais</h2>
Nascido em 1940, no estado de Oklahoma, nos Estados Unidos, Chuck Norris iniciou sua carreira militar, servindo na Força Aérea entre 1958 e 1962. Após esse período, construiu uma trajetória consolidada nas artes marciais e no cinema.
Ele se tornou um dos principais nomes dos filmes de ação das décadas de 1980 e 1990, com destaque para produções que exploravam seu domínio técnico nas lutas. Um de seus papéis mais conhecidos foi o do Texas Ranger Cordell Walker, protagonista da série “Walker, Texas Ranger”, exibida pela CBS.
Ao longo da vida, Norris recebeu importantes reconhecimentos, incluindo uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood, em 1989, e o título de Texas Ranger honorário, concedido em 2010.
<h2>Vida pessoal e últimos anos</h2>
Chuck Norris foi casado duas vezes e teve cinco filhos, entre eles o ator Mike Norris e o piloto da NASCAR Eric Norris. Nos últimos anos, enfrentou perdas familiares significativas, como a morte de sua mãe, em 2024, e de sua primeira esposa, Dianne Holechek, em dezembro de 2025.
Mesmo com menor presença nas telas nas últimas décadas, ele ainda participou de produções pontuais, como o filme “Os Mercenários 2”, lançado em 2012. Recentemente, havia celebrado seu aniversário com um vídeo publicado nas redes sociais, no qual aparecia treinando.
<h2>Família destaca legado e pede privacidade</h2>
Na nota divulgada após a morte, os familiares ressaltaram a dimensão do legado deixado pelo ator:
<blockquote>"Ele viveu sua vida com fé, propósito e um compromisso inabalável com as pessoas que amava. Por meio de seu trabalho, disciplina e gentileza, inspirou milhões ao redor do mundo e deixou um impacto duradouro em tantas vidas".</blockquote>
A família também agradeceu o apoio recebido dos fãs:
<blockquote>"Para ele, vocês não eram apenas fãs — eram seus amigos".</blockquote>
O comunicado finaliza com um pedido de respeito ao momento de luto, enquanto parentes e amigos lidam com a perda de uma das figuras mais emblemáticas da cultura pop e das artes marciais.

Guilherme Levorato

Morre Chuck Norris aos 86 anos

247 - A animação Guerreiras do K-Pop confirmou seu status de fenômeno global ao conquistar dois prêmios no Oscar 2026: Melhor Animação e Melhor Canção Original, pela faixa "Golden". O longa — fruto de uma parceria entre a Sony e a Netflix — acumulou cerca de 500 milhões de visualizações na plataforma de streaming até a última atualização disponível.
Os números divulgados pelo<a href="https://www.adorocinema.com/noticias/filmes/noticia-1000194765/"> Adoro Cinema</a> reforçam a dimensão do sucesso alcançado pelo filme. A cerimônia do Oscar ocorreu nesse domingo (15) em Los Angeles (EUA). De acordo com dados da empresa de pesquisa Nielsen, Guerreiras do K-Pop encerrou 2025 como o título mais assistido em serviços de streaming no mundo inteiro, registrando 20,5 bilhões de minutos consumidos ao longo do ano — um resultado que deixou para trás concorrentes de peso como Moana 2 (9,4 bilhões de minutos), Um Maluco no Golfe 2 (7,1 bilhões de minutos) e Wicked (6,8 bilhões de minutos).
A força do filme nas plataformas digitais, aliada ao reconhecimento da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, consolida Guerreiras do K-Pop como o maior hit da história da Netflix — e já antecipa o apetite do público pela continuação, cuja produção está confirmada.
Os mesmos criadores do original estão à frente da sequência. A diretora e roteirista Maggie Kang e o co-diretor Chris Appelhans voltam ao projeto com a mesma equipe que construiu o universo da animação. Para Kang, a oportunidade de expandir a história vai além do sucesso comercial: "Sinto um orgulho imenso, como cineasta coreana, pelo fato de o público querer mais dessa história coreana e dos nossos personagens coreanos", declarou. "Há muito mais nesse mundo que construímos e estou empolgada para mostrar a vocês. Isso é só o começo."
Appelhans, por sua vez, destacou o vínculo afetivo que a equipe desenvolveu com os personagens ao longo do processo criativo. "Esses personagens são como família para nós, o mundo deles se tornou nossa segunda casa", afirmou. O diretor também adiantou o tom da continuação: "Estamos animados para escrever o próximo capítulo, desafiá-los e vê-los evoluir — e continuar a expandir os limites de como música, animação e narrativa podem se unir."
A presença da música como elemento central da narrativa foi, desde o lançamento, um dos diferenciais que aproximaram o filme do público jovem ao redor do mundo — especialmente entre fãs do universo K-Pop. A canção "Golden", vencedora do Oscar, sintetiza essa fusão entre cultura pop coreana e animação de alto nível técnico que tornou o projeto único em seu segmento.
Enquanto a sequência não chega às telas, o filme campeão do Oscar segue disponível na Netflix em mais de uma versão, mantendo o acesso ao título que redefiniu os parâmetros do streaming global.

Leonardo Lucena

Fenômeno global, Guerreiras do K-Pop supera 500 milhões de visualizações

247 – O presidente Luiz Inácio Lula da Silva celebrou nas redes sociais a presença brasileira no Oscar 2026, realizado no domingo (15), em Los Angeles. Em mensagem publicada após a cerimônia, Lula destacou o orgulho nacional pelas cinco indicações conquistadas pelo país na principal premiação da indústria cinematográfica mundial.
Em sua publicação, o presidente afirmou ser motivo de satisfação ver artistas brasileiros novamente presentes no evento. Segundo ele, a participação do país na premiação reforça o talento e a vitalidade do cinema nacional. “Um enorme orgulho ver mais uma vez nossos artistas na cerimônia do Oscar”, escreveu Lula.
<div class="embed-block"><blockquote class="twitter-tweet">Um enorme orgulho ver mais uma vez nossos artistas na cerimônia do Oscar. Foram cinco indicações ao maior prêmio do cinema mundial, mostrando, mais uma vez, a força do nosso cinema e o talento dos nossos atores, atrizes, diretores e de toda a equipe técnica que faz essa arte… <a href="https://t.co/Q8P6zqjUGa">pic.twitter.com/Q8P6zqjUGa</a>&mdash; Lula (@LulaOficial) <a href="https://twitter.com/LulaOficial/status/2033373744211603477?ref_src=twsrc%5Etfw">March 16, 2026</a></blockquote> <script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script></div>
O presidente também ressaltou que as indicações demonstram a força da produção audiovisual brasileira e o trabalho coletivo de atores, diretores e profissionais técnicos que atuam por trás das câmeras. Para ele, a presença do Brasil no Oscar representa a projeção internacional da cultura e das histórias brasileiras.
“Foram cinco indicações ao maior prêmio do cinema mundial, mostrando, mais uma vez, a força do nosso cinema e o talento dos nossos atores, atrizes, diretores e de toda a equipe técnica que faz essa arte acontecer. É o Brasil levando ao mundo a potência da nossa cultura e das nossas histórias”, afirmou.
Lula também parabenizou diretamente os profissionais envolvidos nas produções indicadas. Entre eles estão o diretor Kleber Mendonça Filho, o ator Wagner Moura, o ator Gabriel Domingues e toda a equipe do filme O Agente Secreto, que concorreu em categorias importantes da premiação.
O presidente também destacou a indicação de Adolpho Veloso ao prêmio de Melhor Fotografia pelo trabalho no filme Sonhos de Trem, ressaltando a importância do reconhecimento internacional para os profissionais brasileiros do setor.
Ao concluir a mensagem, Lula reafirmou o orgulho pelo desempenho do cinema nacional na premiação: “Temos muito orgulho de todos vocês e do nosso cinema”.
Na edição de 2026 do Oscar, o Brasil teve cinco indicações em diferentes categorias, com destaque para O Agente Secreto, que disputou Melhor Filme, Melhor Filme Internacional, Melhor Ator, com Wagner Moura, e Melhor Elenco, além da indicação de Adolpho Veloso em Melhor Fotografia por Sonhos de Trem. Embora o país não tenha conquistado estatuetas nesta edição, a presença brasileira na premiação reforçou a visibilidade internacional do cinema nacional.

O presidente Lula e a primeira-dama Janja recebem o ator Wagner Moura e o diretor Kleber Mendonça Filho para sessão de O Agente Secreto

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